Moda dos Anos 20 aos 60

Posted in Uncategorized on maio 14, 2009 by modafrancesaarte

Anos 20:

Numa década marcada pela liberdade e embalada pelo som das jazz-bands, a moda nos anos vinte era mundialmente influênciada pelos atores e atrizes de Hollywood.  A cantora e dançarina Josephine Baker (foto ao laJosephine bakerdo) provocava alvoroço em suas apresntações, sempre com trajes ousados.

A mulher sensual era aquela sem curvas, seios e quadris pequenos. A atenção estava toda voltada aos tornozelos.
Em 1927, Jacques Doucet (1853-1929), figurinista francês, subiu as saias ao ponto de mostrar as ligas rendadas das mulheres – um verdadeiro escândalo aos mais conservadores.

A década de 20 foi da estilista Coco Chanel, com seus cortes retos, capas, blazers, cardigãs, colares compridos, boinas e cabelos curtos. Durante toda a década Chanel lançou uma nova moda após a outra, sempre com muito sucesso.

Outro nome importante foi Jean Patou, estilista francês que se destacou na linha “sportswear”, criando coleções inteiras para a estrela do tênis Suzanne Lenglen, que as usava dentro e fora das quadras. Suas roupas de banho também revolucionaram a moda praia.
Patou também criava roupas para atrizes famosas.
Anos 20
Os anos 2 literário da época, com o seu “Contos da Era do Jazz”

No Brasil, em 1922, a Semana de Arte Moderna, realizada por intelectuais, como Mário de Andrade e Tarsila do Amaral, levou ao Teatro Municipal de São Paulo artistas plásticos, arquitetos, escritores, compositores e intérpretes para mostrar seus trabalhos, os quais foram recebidos, ao mesmo tempo, debaixo de palmas e vaias. A Semana de Arte Moderna foi o grande acontecimento cultural do período, que lançou as bases para a busca de uma forma de expressão tipicamente brasileira, que começou a surgir nos anos 30.

Anos 30:

A euforia dos anos 20 também chamado de “os anos dos loucos” acabou com a crise e a quebra da bolsa de Nova York em 1929 partir de então,as saias ficaram longas e os cabelos começaram a crescer. Os vestidos eram justos e retos, além de possuírem uma pequena capa ou um bolero, também bastante usado na época. Em tempos de crise, materiais mais baratos passaram anos 30a ser usados em vestidos de noite, como o algodão e a casimira.

O corte enviesado e os decotes profundos nas costas dos vestidos de noite marcaram os anos 30, que elegeram as costas femininas como o novo foco de atenção. Alguns pesquisadores acreditam que foi a evolução dos trajes de banho a grande inspiração para tais roupas decotadas.

A mulher dessa época devia ser magra, bronzeada e esportiva, o modelo de beleza da atriz Greta Garbo. Seu visual sofisticado, com sobrancelhas e pálpebras marcadas com lápis e pó de arroz bem claro, foi também muito imitado pelas mulheres.

No final dos anos 30, com a aproximação da Segunda Guerra Mundial, que estourou na Europa em 1939, as roupas já apresentavam uma linha militar, assim como algumas peças já se preparavam para dias difíceis, como as saias, que já vinham com uma abertura lateral, para facilitar o uso de bicicletas.

Muitos estilistas fecharam suas maisons ou se mudaram da França para outros países. A guerra viria transformar a forma de se vestir e o comportamento de uma época.

Anos 40:

Em 1940, a Segunda Guerra Mundial já havia começado na Europa. A cidade de Paris, ocupada pelos alemães em junho do mesmo ano, já não contava com todos os grandes nomes da alta-costura e suas maisons. Muitos estilistas se mudaram, fecharam suas casas ou mesmo as levaram para outros países.
A Alemanha ainda tentou destruir a indústria francesa de costura, levando as maisons parisienses para Berlim e Viena, mas não teve êxito. O estilista francês Lucien Lelong, então presidente da câmara sindical, teve um papel importante nesse período ao preparar um relatório defendendo a permanência das maisons no país. Durante a guerra, 92 ateliês continuaram abertos em Paris.
Apesar das regras de racionamento, impostas pelo governo, que também limitava a quantidade de tecidos que se podia comprar e utilizar na fabricação das roupas, a moda sobreviveu à guerra.
A silhueta do final dos anos 30, em estilo militar, perdurou até o final dos conflitos. A mulher francesa era magra e as suas roupas e sapatos ficaram mais pesados e sérios.
A escassez de tecidos fez com que as mulheres tivessem de reformar suas roupas e utilizar materiais alternativos na época, como a viscose, o raiom e as fibras sintéticas. Mesmo depois da guerra, essas habilidades continuaram sendo muito importantes para a consumidora média que queria estar na moda, mas não tinha recursos para isso.

A simplicidade a que a mulher estava submetida talvez tenha despertado seu interesse pelos chapéus, que eram muito criativos. Nesse período surgiram muitos modelos e adornos. Alguns eram grandes, com flores e véus; e outros, menores, de feltro, em estilo militar.
Durante a guerra, a alta-costura ficou restrita às mulheres dos comandantes alemães, dos embaixadores em exercício e àquelas que de alguma forma podiam frequentar os salões das grandes maisons.
Alguns estilistas abriram novos ateliês em Paris durante a guerra, como Jacques Fath (1912-1954) – que se tornaria muito popular nos Estados Unidos após a guerra -, Nina Ricci (1883-1970) e Marcel Rochas (1902-1955), um dos primeiros a colocar bolsos em saias. Alix Grès (1903-1993) chegou a ter seu ateliê fechado logo após a inauguração, em 1941, pelos alemães, por ter apresentado vestidos nas cores da bandeira francesa. Sua marca era a habilidade em drapear o jérsei de seda, com acabamento primoroso.
Outro estilista importante foi o inglês Charles James (1906-1978), que, no período de 1940 a 1947, em Nova York, criou seus mais belos modelos. Chegou a antecipar, em alguns, o que viria a ser o “New Look”, de Christian Dior.

Anos 50:

Dois estilos de beleza feminina marcaram os anos 50, o das ingênuas chiques, encarnado por Grace Kelly e Audrey Hepburn, que se caracterizavam pela naturalidade e jovialidade e o estilo sensual e fatal, como o das atrizes Rita Hayworth e Ava Gardner, como também o das pin-ups americanas, loiras e com seios fartos.merilin
Entretanto, os dois grandes símbolos de beleza da década de 50 foram Marilyn Monroe e Brigitte Bardot, que eram uma mistura dos dois estilos, a devastadora combinação de ingenuidade e sensualidade.
As pioneiras das atuais top models surgiram através das lentes dos fotógrafos de moda, entre eles, Richard Avedon, Irving Penn e Willian Klein, que fotografavam para as maisons e para as revistas de moda, como a Elle e a Vogue.

Ao som do rock and roll, a nova música que surgia nos 50, a juventude norte-americana buscava sua própria moda. Assim, apareceu a moda colegial, que teve origem no sportswear. As moças agora usavam, além das saias rodadas, calças cigarrete até os tornozelos, sapatos baixos, suéter e jeans.
O cinema lançou a moda do garoto rebelde, simbolizada por James Dean, no filme “Juventude Transviada” (1955), que usava blusão de couro e jeans. Marlon Brando também sugeria um visual displicente no filme “Um Bonde Chamado Desejo” (1951), transformando a camiseta branca em um símbolo da juventude.
Já na Inglaterra, alguns londrinos voltaram a usar o estilo eduardiano, mas com um componente mais agressivo, com longos jaquetões de veludo, coloridos e vistosos, além de um topete enrolado. Eram os “teddy-boys”.
Ao final dos anos 50, a confecção se apresentava como a grande oportunidade de democratização da moda, que começou a fazer parte da vida cotidiana. Nesse cenário, começava a ser formar um mercado com um grande potencial, o da moda jovem, que se tornaria o grande filão dos anos 60.

Anos 60:

Na moda, a grande vedete dos anos 60 foi, sem dúvida, a minissaia. A inglesa Mary Quant divide com o francês André Courrèges sua criação. Entretanto, nas palavras da própria Mary Quant: “A idéia da minissaia não é minha, nem de Courrèges. Foi a rua que a inventou”. Não há dúvidas de que passou a existir, a partir de meados da década, uma grande influência da moda das ruas nos trabalhos dos estilistas. Mesmo as idéias inovadoras de Yves Saint Laurent com a criação de japonas e sahariennes [estilo safári], foram atualizações das tendências que já eram usadas nas ruas de Londres ou Paris.
O sucesso de Quant abriu caminho para outros jovens estilistas, como Ossie Clark, Jean Muir e Zandra Rhodes. Na América, Bill Blass, Anne Klein e Oscar de la Renta, entre outros, tinham seu próprio estilo, variando do psicodélico [que se inspirava em elementos da art nouveau, do oriente, do Egito antigo ou até mesmo nas viagens que as drogas proporcionavam] ou geométrico e o romântico.

Em 1965, na França, André Courrèges operou uma verdadeira revolução na moda, com sua coleção de roupas de linhas retas, minissaias, botas brancas e sua visão de futuro, em suas “moon girls”, de roupas espaciais, metálicas e fluorescentes. Enquanto isso, Saint Laurent criou vestidos tubinho inspirados nos quadros neoplasticistas de Mondrian e o italiano Pucci virou mania com suas estampas psicodélicas. Paco Rabanne, em meio às suas experimentações, usou alumínio como matéria-prima.
Os tecidos apresentavam muita variedade, tanto nas estampas quanto nas fibras, com a popularização das sintéticas no mercado, além de todas as naturais, sempre muito usadas.
As mudanças no vestuário também alcançaram a lingerie, com a generalização do uso da calcinha e da meia-calça, que dava conforto e segurança, tanto para usar a minissaia, quanto para dançar o twist e o rock.

A maquiagem era essencial e feita especialmente para o público jovem. O foco estava nos olhos, sempre muito marcados. Os batons eram clarinhos ou mesmo brancos e os produtos preferidos deviam ser práticos e fáceis de usar. Nessa área, Mary Quant inovou ao criar novos modelos de embalagens, com caixas e estojos pretos, que vinham com lápis, pó, batom e pincel. Ela usou nomes divertidos para seus produtos, como o “Come Clean Cleanser”, sempre com o logotipo de margarida, sua marca registrada.
As perucas também estavam na moda e nunca venderam tanto. Mais baratas e em diversas tonalidades e modelos, elas eram produzidas com uma nova fibra sintética, o kanekalon.

No Brasil, lutava-se contra a ditadura militar, contra a reforma educacional, o que iria mais tarde resultar no fechamento do Congresso e na decretação do Ato Institucional nº 5.
Talvez o que mais tenha caracterizado a juventude dos anos 60 tenha sido o desejo de se rebelar, a busca por liberdade de expressão e liberdade sexual. Nesse sentido, para as mulheres, o surgimento da pílula anticoncepcional, no início da década, foi responsável por um comportamento sexual feminino mais liberal. Porém, elas também queriam igualdade de direitos, de salários, de decisão. Até o sutiã foi queimado em praça pública, num símbolo de libertação.
Os 60 chegaram ao fim, coroados com a chegada do homem à Lua, em julho de 1969, e com um grande show de rock, o “Woodstock Music & Art Fair”, em agosto do mesmo ano, que reuniu cerca de 500 mil pessoas em três dias de amor, música, sexo e drogas.

Haute Couture

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alta costura

Não seria possível falar de moda francesa sem mencionar a Alta-costura (haute couture em francês) termo que se refere à criação em escala artesanal de modelos exclusivos, por altos preços, para clientes abastados e é tão buscado pelas grandes grifes mundiais.

Originalmente, o termo foi aplicado ao trabalho realizado pela maison de Charles Frederick Worth, um inglês que produziu em Paris, em 1858, o primeiro desfile de moda conhecido (e, além disso, usando modelos, em vez de cabides, outra novidade na época). Na França moderna, haute couture tornou-se uma denominação que goza de proteção jurídica e que só pode ser usada por empresas que atendam a determinados padrões bem-definidos. Todavia, o termo também é usado para descrever toda a produção dos grandes costureiros, seja ela produzida em Paris ou em outras capitais da moda, tais como Milão, Tóquio, Nova York, Roma e Londres

Maisons de alta-costura oficiais

Embora existam muitas empresas produzindo moda, apenas os constantes da lista abaixo são considerados membros oficiais das maisons de alta-costura pela “Federação Francesa da Costura, do Prêt-à-porter, dos Costureiros e dos Criadores de Moda”

1) Adeline André (1981)

2) Anne-Valérie Hash (2007)

3) Chanel (1909)

4) Christian Dior (1946)

5) Christian Lacroix (1987)

6) Dominique Sirop (2003)

7) Emanuel Ungaro (1965)

8 ) Jean-Paul Gaultier (1977)

9) Givenchy (1952)

10) Franck Sorbier (1991)

11) Maurizio Galante (2007)

No início de 2008, haviam quatro membres correspondants (casas estrangeiras):

1)Elie Saab

2) Giorgio Armani

3) Maison Martin Margiela

4) Valentino

Claude Monet

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Monet
Nascido na França, no ano de 1840 tornou-se um grande pintor e um dos mais importantes representantes do impressionismo. Uma de suas obras deu nome ao movimento artístico impressionista, “Impressão: Nascer do Sol”.

Começou sua carreira artística marcado por dificuldades financeiras. Porém obteve sucesso na década de 1870. Suas obras tinham como temática principal, paisagens da natureza.

Usava de formas harmônicas as cores e luzes, com imagens belas e fortes. Usou temas aquáticos também, como nos murais do museu l’orangerie.

Morreu em 1926, na França, com um belo legado artístico. Críticos consideram Monet um dos mais importantes pintores até hoje.

Principais obras de Monet:

Estuário do Sena

Impressão, Nascer do Sol

Ponte sobre Hève na Vazante

Camille

O vestido verde

A floresta em Fontainebleu

Mulheres no Jardim

Navio deixando o cais de Le Havre

O molhe de Le Havre

Mulheres no Jardim:

MULHERES NO JARDIM

Em 1866, Monet resolve arriscar e pintar numa grande tela, do tamanho geralmente usado para quadros históricos: 2.55m x2.05.A ambição do jovem Monet era ainda maior que o tamanho da tela. Como conseguir integrar os personagens na paisagem, com a impressão do ar e da luz que por ali circula aparente na tela?

O pintor encontra uma resposta ao pintar as sombras e a luz, o sol furando a massa verde das plantas, reflexos claros na penumbra. Émile Zola escreveu a respeito do salão onde Monet expusera seu quadro: “O sol bate em cima das saias brancas, que brilham; a sombra doce de uma árvore desenha na aléia uma grande toalha cinza. Nada mais estranho como efeito. É preciso amar imensamente seu tempo para ousar semelhante “tour de force”, tecidos cortados em dois, pela sombra e pelo sol”.

Os rostos são indefinidos, não podem ser chamados de retratos. Camille, a companheira e modelo do pintor, posou para as três figuras à esquerda. Monet transmite com leveza a brancura dos vestidos: ele introduz o branco solidamente na estrutura da composição _ toda em verde e castanho, por conta da árvore que ocupa o centro da tela e do caminho aberto na mata.

Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix

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Eugene_Delacroix

Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix nasceu em Charenton-Saint-Maurice, em 26 de abril de 1798. A partir de 1815 começou a estudar pintura com o barão Pierre-Narcisse Guérin, renomado artista acadêmico.

Mas, homem de seu tempo, Delacroix logo se ligou aos românticos, como os pintores Théodore Géricault e Richard Bonington, o compositor Chopin e a escritora George Sand.

Em 1825 foi para Londres. Em contato com os ingleses J. M. W. Turner, John Constable e Sir Thomas Lawrence, sua técnica adquiriu maior liberdade. Telas como “Dante e Virgílio nos infernos” (1822) e “O massacre de Quios” (1824), românticas pelo tema e estilo, representaram a ruptura com o estilo neoclássico que imperava na França.

Em obras como “A morte de Sardanápalo” (1827) e “A liberdade guiando o povo” (1830) Delacroix atingiu a plenitude de seu estilo, ao conseguir o domínio da cor sobre o traço.

Em 1832 viajou durante seis meses por Marrocos. Seduzido pelo exotismo e luminosidade do país, executou uma série de desenhos e aquarelas, que mais tarde aproveitaria na magistral “Mulheres de Argel” (1834).

Delacroix dedicou-se também à pintura mural. Decorou o Salão do Rei no palácio Bourbon (1836), a biblioteca do palácio de Luxemburgo (1861) e a capela dos anjos da igreja de Saint-Sulpice (1861), obra que o consagraria como o último grande muralista de tradição barroca. Morreu em Paris, em 13 de agosto de 1863.

massacre

Após a restauração dos Bourbons surgem os concursos pictóricos anuais de Paris (os Salões). No de 1824, Delacroix apresenta “Les massacres de Scio”. O vivo contraste desta obra, que apresenta um vigoroso desenvolvimento das características da pintura romântica, com a ditadura neoclássica, desencadeia uma apaixonada oposição do seu principal representante, Ingres.
Mas lentamente impõe-se o novo gosto, e o mundo antigo passa para segundo plano, substituído pela Idade Média e o Próximo Oriente. Delacroix representa o cume da pintura romântica.
É um apaixonado da vitalidade, da exuberância e do esbanjamento de cores, como Rubens ou Rembrandt. De facto, na obra de Delacroix a cor é mais importante que o desenho.
Os temas escolhidos por Eugène Delacroix reflectem directamente a sensibilidade romântica. “O Massacre de Quiós” é um canto ao heroísmo do povo grego na sua luta contra a Turquia pela independência.

O sutiã

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marcinha-sutia

O sutiã ou soutien (do francês soutien: suporte), é um tipo de roupa usados por mulheres, servem para a proteção e sustentação das mamas.

A peça nasceu em 1907 e foi o estilista Pierre Poiret, amigo de Coco Chanel, quem traçou os primeiros desenhos e confecções. A história atribui a esse francês a responsabilidade por ter liberado as mulheres dos espartilhos apertados, mesmo que quem tenha patenteado a invenção seja a americana Mary Phelps Jacob e tenha tido o reconhecimento por isso nos primeiros anos.

Obra Modificada

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montagem

Nome do Artista:  Jules Joseph Lefebvre

Nasceu em Tournan-en-Brie, 14 de Marco de 1836.

Faleceu em Paris, no dia 24 de Fevereiro de 1911).

Nome do Quadro: Young Woman with Morning Glories in Her Hair (Jovem Mulher com a gloriosa manhã em seu cabelo)

Dimensões:  67.3 x 54.6 cm

Técnica: Óleo sobre tela.

Nasceu no dia 14 de Março de 1836, na cidade de Tournan-en-Brie, França.
No ano de 1852, foi estudar em Paris. Um anos depois, ingressou na Escola de Belas Artes.
Era fascinado pelo trabalho de pintores maneiristas, em especial, Andrea del Sarto.
Foi sob influência de Andrea que Joseph passou a pintar mulheres nuas.
Entrou em depressão após o falecimento dos pais e de uma de suas irmãs, além das diversas críticas que recebeu por seu trabalho.
Joseph voltou da depressão com uma visão diferente da arte, e em 1868 exibiu “Reclining Nude”, que diferentemente de suas outras obras, rendeu-lhe muitos elogios.
Dois anos depois, lançou seu primeiro grande sucesso: La Vérité, que tornou-se um símbolo da verdade.
Joseph ficou conhecido pelo realismo de suas obras.
Faleceu no dia 24 de fevereiro do ano de 1911.

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